自从学习风光摄影以来积累了一些拍摄风光照片的心得，在此进行了整理，并汇集成了对6个问题的思考，与影友们一起分享。
一、为什么选择风光摄影？
大凡要做某件事、尤其是假如还想长久地做这件事的话，必须把这个问题想透彻了。事前要想，事中还要经常去想。
这个命题背后，更广义的问题是：风光摄影的意义到底何在？
在安塞尔•亚当斯眼里，“一张伟大的作品”必须“在最深刻的意义上完整地表达我们对正被拍摄的东西的感受”，拍摄者要能“预先设想影像”；卡蒂埃-布列松说，好的作品来自“决定性的瞬间”；而在摄影批评家苏姗•桑塔格笔下，摄影几乎什么也不是。
在我看来，风光摄影既不像过去的摄影大家说的那么庄严、神秘，也不像桑塔格说的那么一无是处。风光摄影带给我们的好处是实实在在的：
它促使我们去思考什么是风光作品中的“美”？别人是如何拍摄出“美”的？自己怎样才能拍摄出“美”？
我们自己在拍摄风光的过程中，获得某种愉悦或满足：无论是拍出了一张广为认可的作品，或者拍出了自己愿意挂在客厅自娱自乐的作品；还是特别享受拍摄美景时的激情时刻，又或者享受结伴出行的快意旅程……都是美好的、值得的。
随着人类活动对自然破坏的加剧，“美景”正呈几何指数般消失，所谓“拍一个少一个”。风光摄影对于自然环境的记录意义、警示意义将显得比以往任何时候都更加突出。
这个命题对于我自己而言，就是为什么选择风光摄影，而不是选择其他题材的摄影的问题。 其实，选择任何摄影题材都是有道理的。只有不好的作品，没有不好的题材。
我在开始学习摄影之初，曾经尝试过人像摄影，但是最终没有找到感觉以及持续拍摄下去的动力。 在无法出远门去拍摄风光的日子里，我也尝试过拍摄人文作品、观念作品。今后我还将投入很大精力去拍摄人文题材，但是到目前为止，我自己真正感到“有感觉”的领域还是风光摄影。
于是，是否“有感觉”，就成了我选择摄影题材的标准。当然，暗含的前提是最好尽量尝试各种不同的题材，这样才有比较、才能知道自己真正喜欢什么题材。事实上，最终我们不可能什么题材都喜欢、并且都去做同样的投入，每个人一定会有所侧重的。
之所以选择风光摄影作为长期的努力方向，我还给自己找了这样的辅助理由：
拍摄风光，可以顺带享受山水野趣；
拍摄风光，要背着几十斤重的器材爬山涉水，顺便就起到了健身的作用。
对于什么是“有感觉”，我自己是这样来判断的：
我是否拥有了拍摄这类题材必备的器材和拍摄技能？
我是否掌握了对这个领域的作品的普遍性评价标准和评价方法？
我是否在这个领域研究了足够多的代表性作品，从而对于自己的作品能否跨入能够得到公众及专业圈认可的最低门槛有所判断？
我是否能从拍摄这类题材的过程中获得金钱以外的收获？
我是否确定，即使将来得不到任何经济回报，我仍然会长期地、甚至默默无闻地去投入到这类题材的拍摄？
二、风光摄影要跨越哪几个阶段？
我把风光摄影分为三个阶段：
第一阶段——掌握必备的关键技能
在这个阶段，重点是配备自己需要的器材系统、能够按照自己的意图去曝光、获得清晰的照片、学会使用必要的滤镜、掌握必要的图片处理技能。
第二阶段——学会看图
在这个阶段，学会用专业的角度来审视和评判作品，并且自觉地用这些标准来指导自己的拍摄。
第三阶段——像大师那样去拍摄
这个阶段最漫长，并且没有终点——除非摄影人自我放弃。进入这个阶段后，要树立自己的摄影理想，确立自己的摄影理念，明确自己的摄影目标，制订切实可行的阶段性拍摄计划，并且持之以恒地去努力达成各阶段的目标。
三、风光摄影要掌握哪些必备的关键技能？
这里不打算对风光摄影的技能进行全面的叙述，只是结合自己的拍摄心得，讨论其中几个我认为关键的环节。
1、曝光：由准确到正确
要拍出好的片子，曝光这道坎是必须要迈过的。“准确”的曝光，就是将现场按照18%灰度还原成照片的曝光，或者说就是尽量真实地去再现现场景物，是以客观值为标准的；而“正确”的曝光，则是摄影者根据自己的创作意图，在“准确”曝光值的基础上进行适当修正，以实现自己预定的光影效果的曝光，是以主观值为标准的。 因此，“准确”曝光与“正确”曝光的关系，就是复制与创作的关系。要拍好风光作品，就必须从“准确”曝光走向“正确”曝光。
以下是我测光的一些心得，所有操作均以胶片相机为例。
我入门后不久就购置了世光508点测表。绝大多数情况下使用它来确定曝光值。多数情况下我测光的手法是：
先锁定构图；
先后点测画面中有细节的最高光处、有细节的最暗处曝光值，分别储存；
观察两个值之间的差值；
如果差值没超过胶卷的宽容度（通常反转片是5档，黑白片是7档），那就取其平均值，以这个平均值来曝光，多数情况下是“准确”的；而要想获得“正确”的曝光，就要根据主体受光情况、构图中暗部和亮部面积各占的比例大小来对平均值进行微调。通常，主体处在暗处、或画面中暗部面积居多，就要适当增加曝光（1/3至1/2档）；反之亦然（1/3至1档）。要注意的是，这个补偿的方向是与用机内多区测光的情况下相反的，因为后者在测光时已经计算了面积因素。
如果超过了胶卷的宽容度，就要看是否能用渐变灰镜压低亮部从而降低光比，否则就只能在亮部和暗部之间进行取舍了，这取决于死白和死黑之中哪个部分的存在不影响作品的创作意图。
几种特例下的测光与曝光方法：
（1）主体处在高光（比如集束光）直射下：这时，通常直接对主体点测曝光就可以了。必要时，可以根据构图中暗部和亮部面积各占的比例大小来进行微调。
比如像下面这个场景。空旷的平地上，这丛逆光下的小树在背光的山体阴影里格外醒目。由于亮部和暗部的比例大致相当，所以就直接点取树梢的读数来曝光（图1）。
图一
（2）雪景：如果雪地在阳光下、想突出雪地白色的质感，则可点测白雪亮部后加1.5档曝光；如果雪地上有树木的影子、或者重点想表现凹凸不平的雪地的光影，则可点测白雪亮部后加1档曝光。
下面这张于2008年“五·一”摄于四川理塘。当时天色渐暗，为拍出白色的雪地而又不过曝，用F/22直接点测脚下的雪地加1.5档曝光（图2）。
图二
（3）日出日落：光比大时，通常要用渐变灰镜来帮助降低天地间的光比、保留天空云彩的层次，有前景时更加有必要，可用点测表读取太阳附近干净天空与前景物的光比（差值）来决定用几档的渐变灰镜，然后直接点测前景的读数曝光；如果不使用渐变灰镜，则可以点测与太阳相反方向的天空，加1档进行曝光，这样可以保留天空的细节，但是不能指望前景的细节。
有关早晚拍摄的更多技术细节，参见本人发表在《中国摄影》2008年4月刊的拙作《只争朝夕——黎明与黄昏的拍摄》。
（4）长时间曝光：多用于日出前或日落后的拍摄，表现天空的浓郁色彩、城市的万家灯火、水流绸缎般的质感或海水云雾般的虚幻意境。快门读数超过1秒后的测光，基本上不准确，需要各自结合不同的场景去摸索出适合自己的、整套的经验数据。建议固定一个光圈值（比如F/8），来摸索不同场景下的快门时间，这样便于记忆。推荐F/8的理由是：
F/8下的快门时间长短适中，适合表现浓郁色彩的需要；
F/8的景深足够大；
对多数镜头来说，F/8左右的解析度是最高的。
下面这张片子于2006年9月某日凌晨摄于深圳三门岛。当天凌晨风大浪急，天没亮就趟着崎岖不平的礁石去守候了。为表现海浪在礁石周围形成的缥缈意境，决定采用长时间曝光；同时为了突出五彩礁石的质感，加1档渐变灰滤镜压暗天空。F/8，3分钟曝光（图3）。
（5）多重曝光：多用于拍摄城市灯光夜景、焰火晚会、月光夜景等。拍摄城市夜景时通常采用二次曝光，操作顺序是：
把相机设置成多重曝光模式、快门设到B档或T档，如果是B档，快门线定到按下后能卡住（旋盘式）的模式，也有的快门线带手工锁定用的小旋钮；
光圈值设到F/8；
在天空还没全黑时，先点取地平线上天空的读数做第一次曝光，此时相机应该不进片才对。参考的曝光值是F/8、1/4秒；
等建筑物上的灯光全部开启后，进行第二次曝光。快门时间长短需要各自摸索。参考的曝光值是F/8、15-45秒。
下面这张蛇口夜景，是我拍摄的第一张二次曝光作业。第一次以F/8点测天空后直接以天空亮度曝光（约1/4sec）；第二次按照F/8、约45秒曝光。右边海上世界的灯光太亮，过曝了；右下方的树叶在霓虹灯的照射下，产生了红叶般的感觉；天空如果没有第一次的曝光做背景，就会很暗（图4）。
图四
（6）包围曝光：熟练掌握上述曝光手法的话，通常能应付九成以上场合。然而，如果是出远门拍摄、尤其在拍摄重要场景的时候，建议进行包围曝光。反转片建议加减1/3至1/2档包围。一定程度上，包围曝光可以挽救你轻微的测光失误。当然，如果错得太离谱，那就谁也帮不了你。
其他重要注意事项：
使用偏振镜时，一定要记得增加曝光值（通常是2档）；
中途换用不同度数的胶卷时，切记相应调整相机上的（如果有的话）以及测光表上的ISO设置，以免错误曝光。
2、如何获得清晰的画面
对于风光作品来说，除了主观上让主体模糊的以外，清晰的画面几乎是最起码的要求。通常，摄影师在挑选自己的作品时，首先排除掉的就是曝光不正确的、或主体不清晰的片子。
有很多环节影响照片的清晰度：
对焦是否准确；
景深运用正确与否；
各种滤镜都会不同程度地降低照片的清晰度；
射入镜头的光线会使画面起雾；
相机自身的机震如何（是否有反光板预升功能）；
是否使用了快门线/快门遥控器；
云台是否锁紧；
三脚架是否结实；
支撑三脚架的地面是否结实；
风速如何、是否有车辆通过等外部因素……
明白上述环节能影响照片的清晰度后，就可以找到相应的对策了：
准确对焦，必要时手动对焦；
风光作品很多情况下要求全程清晰，所以镜头的焦距越短、所用的光圈越小，就越有助于获得大景深，画面看起来就越清晰。使用大画幅技术相机，在这方面优势更大；
除非必要，少用滤镜，尤其不建议为了保护镜头一直套着UV镜拍摄；
尽可能使用遮光罩；
相机有反光板预升功能者，每次都使用它，不要嫌麻烦；
坚持使用快门线/快门遥控器，养成带上备份才出门的习惯（有时朋友还能沾你的光）；
经常检查云台与三脚架的连接是否结实，云台和三脚架的工具要带在身边、每次拍摄时锁紧云台；
选用结实的三脚架。使用时，优先展开口径较粗的管段，不到万不得已不升中轴；
支三脚架时，选择结实的支点（如果是泥沙地，最好垫之以石块、砖块）；
风大时挡在上风按快门，有车辆通行的话在通过前/后200米开外按快门等等。
这张片子，是在有海风的细软沙滩上，给三脚架垫上石块后拍摄的（图5）。
图五
3、适当使用滤镜以获得预期效果
无论胶片机还是数码机，偏振镜目前还是必备的滤镜。用它可以：
降低水面反射从而加深水面颜色；
清晰地拍出水面下的鱼类、石块、枯枝等；
加深天空的蓝色；
减轻雾霭对画面的影响；
消除树叶等非金属物体表面的反光，加深其色彩饱和度。
对于胶片机来说，渐变灰镜也是必备的，因为现场光比超出胶片宽容度的场合很多，这时如果没有它，就要后悔这趟白来了。
4、必要的后期处理技术
目前对于反转片作品来说，后期处理、输出有如下路径和环节：
路径一：冲洗>>>扫描>>>图片处理>>>打印输出
路径二：冲洗>>>直放出图
首先不管哪个路径，反转片的冲洗环节是非常关键的。有以下不良记录的冲印店应该坚决予以抵制：
给底片造成连续划痕的；
冲洗不同厂家的胶片之间不按规定更换药液，导致胶片变色或变质的（很遗憾，这方面如果不吃亏是无法事先认定的，建议入门者多请教资深摄影人士）。
关于路径一，扫描环节有平板扫描仪、底片扫描仪和滚筒扫描仪三档选择，质量和扫描成本都是依次升高的；打印输出环节有数码彩扩、彩喷/写真、艺术微喷几种选择，后者的效果最佳，已经普遍用于博物馆收藏级别作品的输出。
后期处理中惟一可以完全由摄影人自己控制的环节就是图片处理，所以这个环节不可草率，也不可轻易放弃自己控制质量的权利。这一环节里又可以分成三个子环节：硬件设备、设备校色和使用Photoshop等软件对图片进行处理。
硬件设备要求最好配一台较好的显示器，以便显示出更多的色彩和层次；设备校色就是使用专业校色产品来调校自己的显示器，并且通过调校后生成的ICC文件来与输出设备对接，从而保证前后的色彩一致性；图片处理方面，要精通几乎是没有止境的，我要求自己掌握最基本的几招，比如在尽量少损失画质的前提下，如何调整色彩平衡、色阶、饱和度、对比度、亮度，除尘降噪，校正镜头畸变，锐化，压缩图片等。
关于路径二，国内能提供反转片直放出图的商家还很少。我观摩过成都一家商家的反转片直放实物，效果确实非常精美。只是，与目前气势如虹的“艺术微喷”比起来，抛开质量的比较不说，可能在价格和最大输出幅面上要吃亏一些。
5、器材选择/胶片还是数码
本来对于我来说，这些都不是个问题。只是看到网络上经常有这方面的纠结，就借此谈谈自己的看法。
器材选择方面，我个人更多是希望拍出好作品，器材只是我的工具而已，所以我从不拘泥于某个品牌。当然，对于有条件、有兴趣的朋友，购买高价的名牌器材也无可厚非，名牌器材可以给自己增强信心，还有把玩和收藏的价值，何乐而不为呢；然而对于没有这方面需求的朋友来说，也大可不必自惭形秽，好消息是过往的传世之作基本上很少标明、也很少有人关心它们是什么器材拍摄出来的。
我的主力系统是宾得645两机身加6镜头（30,35,45-85,120,200,2x），全部是网上淘来的二手货；其他有Fotoman617加尼康SW90/4.5（机身买不到二手货只好买的新品）、尼康FA机身加4镜头（18,24-50,50,2x），基本上都是淘来的二手货。我之所以选择宾得645作为主力系统，是觉得它在画幅大小、系统配套、便携性、性价比方面取得了完美的平衡。
胶片还是数码的问题，在我看来其实是个伪问题——我相信大多数双修的朋友都会有同感。用胶片相机拍摄和用数码相机拍摄，除了在出品风格上略有差异以外，我感觉最大的差异其实是来自完全不同的拍摄体验。就好比吃大米饭和吃红薯，虽然都能达到吃饱肚子的目的，然而它们的口感是大不相同的，所以去辩论谁好谁差、谁取代谁没有太大意义，剩下的只是个人喜好而已。没准，若干年之后的主流相机既不是胶片机、也不同于现在的数码相机呢？
四、如何去看图？
无论是欣赏别人的作品，还是自己去拍摄作品，又或者审视自己的作品，我都要求自己从四个维度来衡量它：立意、构图、用光和色彩。可能还会有一些不同的说法，但是本质上几乎都可以归结到这四大方向。
1、立意
一张作品的灵魂，在于它营造的意境，也就是作者的立意。至于不同的人观看后获得不同的感受，则是另一个层面的问题，并不会改变这幅作品自身的属性。
我认为，风光作品的终极目的，就是要营造“唯美”的意境。这个“唯美”，可以是五彩斑斓的美、淡雅素净的美、雄浑壮丽的美、纤秀婉约的美、动感十足的美、静谧无声的美、生机勃勃的美、空寂凄咽的美……
在我看来，立意有几个层面的背景：
作者所处的整体文化背景。比如说，一位美国的摄影者，如果在他过往的教育背景中没有其他国家的美学内容的话，那么可以肯定他的作品基本上跳不出美国文化的范畴——尽管美国文化本身就包含许多外来元素，但是美国社会的主体价值一定牢牢地控制或影响着文化、艺术等方方面面。个体可以去尝试接受多元文化，但是他显然无法完全摆脱、更无法改变其母体文化体系。
作者个人的文化背景。每个人的作品，基本上都难以超越他的文化修养、艺术修养范畴，即使有个别“超水平发挥”的作品，也是偶然事件，不能代表他的整体水平。当然，这个“范畴”可以是一个变量，它取决于作者是否努力去突破边界。
作者的创新努力。尽管受制于前两个背景，但是如果作者努力去开阔眼界、汲取多元文化营养、融合创新，还是有可能取得某种突破的。而前两个限制性背景，恰恰指出了突破的路径。
我理解的立意的涵义就是，在决定开始拍摄一幅作品前——无论这个时间多长或多短——作者必须部分或者全部地明确：
这个场景里到底是什么东西/元素打动了我？
核心元素是什么？不可或缺的辅助元素是什么？
我得到了什么样的感受？
这个直观感受是否能升华为某个视觉主题？
别人会对这样的主题感兴趣吗？
如果我决定记录并且传递这个主题，这个场景足够表达吗？
这里面包含了一个自我验证的过程。你可以允许部分人在一段时期对你的作品有不同的理解，但是你不能让所有人永远不理解它。
上述思维过程，还包括了两个相反的立意路径：
一个是触景生情，也就是从看到景色后、被动接受到的视觉感受中去领悟、提炼主题；另一个是预先构思了主题，根据主题去寻找适合的场景。
显然，在我看来前一种更多的是“记录灵感”，而后一种才是“创作”。创作需要大量的前期构思、学习、研究、比较、验证，不能闭门造车。换句话说，创作的表征就是事前要做大量的功课，结合拍摄目的地隐含的文化艺术元素去预先构思多个主题。
有时候，一趟采风可能同时包括了上述两种立意模式。 这里，举一个拍摄海景的例子来说明一下上述过程。
一次，我和深圳的两位老友约定去大鹏半岛拍摄海景，顺便用我购入达半年之久而一直没有时间试机的617相机来拍摄它的“处女作”。整个如下：
拍摄主题的设计：我确定营造一幅“缥缈的、仙风道骨的礁石海景”；
实现途径的确定：这样的效果，只有通过对礁石、海浪的长时间曝光才能产生；
天气、拍摄地的选择：选择有日出的晴天，大鹏半岛面向东边突出的海滩，拍摄前夜在当地住宿，提前熟悉地形、到达拍摄点的路线路况等；
拍摄时间的安排：该季节日出约在5:50-6:00之间，海边天空露白较早。以此反推，要求在5点15分之前架设好相机、完成拍摄准备；住宿地到拍摄点附近的海滩要在黑暗中沿着海边崎岖的礁石路段行走约30分钟（包括选定拍摄点），于是最终确定4:00起床、4:40左右出门；
实际拍摄过程：我从5:15分开始，先以F/8、16min的组合拍摄了第一张，接着，在太阳已经跃出水面的情况下，我又应景拍摄了几张。其中一张暖调的作品是F/22、1/8sec的组合；
作品：结果是几天之后冲洗出来才看到的。作为试机片，自己感觉还算过得去。长时间曝光的那张，基本上达到了自己预期的效果。因此，我理所当然地把这张作品看成是自己这次采风的“创作”产品，而这次应景拍摄的其他片子，则是我的“记录”产品、是附带成果。从拍摄意图来说，它们在我心目中的定位是截然不同的。
扫描是用滚筒扫描仪、300dpi扫成50MB的TIF文件，长边约6400pix。说一句题外话，等待看到自己的胶卷冲洗出来那个过程中的期待感，也是使用胶片机的乐趣源泉之一（图6）。
图六
2、构图
构图技法方面已经有很多专著了，无需我赘言。我在这里分享一些实际拍摄过程中积累的感想：
在立意过程中养成上述思考习惯，将极大地有利于帮助构图。比如，分清场景中的核心元素和辅助元素，就能帮助我们顺利地提炼出主体、陪体。实际上，很多情况下立意与构图是同步或穿插进行的；
主体（兴趣中心）的位置必须突出。可以放在“黄金分割”的交点上，也可以放在画面正中或其他位置，完全视创作意图而定。
只保留必要的陪体，使得画面简洁、有序；
要注重画面的整体平衡感。当然，某些主题需要特意营造某种不平衡感，则不在此列；
善于运用前后景、景深以及将观者的视线导向主体的视觉导引线等元素，营造画面的立体感。前景有时还能起到很好的平衡画面的作用；
构图不要太满，风光摄影多数情况下画面要有留白；
留意水平线在画面中的位置高低，以及是否处在水平状态；
自己认为好的场景，我通常会横、竖构图各拍至少一张，以备不同用途；
我从一开始就要求自己严谨构图，从不采取随意拍摄、后期再来做裁切出品的方式。因为，我希望能够直接用观片器或者幻灯机来和朋友分享自己的“成品”——无论它们水平高低，它们至少不是“半成品”。我不希望此时心有不甘而又满脸尴尬地向别人解释：“这张片子，其实如果你把它裁掉这些部分来看……还是可取的吧？”
下面这张片子，主体是想表现气吞山河的云彩。利用了海岸线和成列的礁石作为视觉导引线（图8）。
图八
3、用光
用光水平的高低，将直接决定一幅作品是出彩还是平淡。一幅作品即使拥有再好的立意或者构图，如果用光平庸的话，几乎注定是一幅平庸的作品。
光影或影调效果好的作品，大多是有迹可循的：
善用早晚光线，营造低色温、底反差的画面，比如早晚霞、长时间曝光作品；
善用逆光或侧逆光，勾勒景物轮廓或制造剪影效果，增强画面的立体感；
善用侧光在非平滑物体表面造成的明暗差异，凸显物体的质感；
善用逆光凸显红叶、黄叶的色彩明度、饱和度以及树叶质感；
借用穿过云层或物体缝隙的集束光对主体的照射，得到类似舞台灯光的效果。比如西部高原的小村寨，常常能遇到光线照亮了村落、而四周的山体和田野则隐在云层遮盖下的暗影里这样的场景；
巧用物体在水面的倒影；
用慢门或减光镜延长曝光时间，使得移动的物件产生拖尾效果、水流成绸缎状、浪花成云雾状、快速移动的云层模糊化、夜里的车灯形成光带……等等。
以上这些用光技巧，不外乎是在光线的色温（色彩）、方向（入射角度、直射/折射/反射）、强度、光通量、照射范围等方面做文章。
下面这张片子，于2006年“五·一”某日清晨6时余摄于四川九龙县乌拉溪乡仙女湖旁，海拔4125米。这丛枯树的树皮完全剥落后露出枝干，经受风雨洗练后呈现出高贵的灰白色，有根雕艺术品般精美的质感，让人怦然心动。日照金山倒映在水中形成的桔黄色水面衬托着主体的树丛。清晨，灰白的树干染上了一层浅蓝色。这个场景让人联想到晨光中的少女在湖水边梳洗化妆（图9）。
图九
4、色彩
拍摄彩色照片的情况下，作品的色彩构成是又一大评价维度。评价色彩构成时，有两种截然不同的评价方向。一说是，有强烈对比色的画面更引人“注目”。对比色通常是指互补色，比如青与红、品与绿、黄与蓝。每一对互补色混合后均会消色（即得到白色）。另一说是：色彩和谐的画面更“悦目”。色彩和谐，通常指画面包含的色彩在颜色（即色彩种类）、纯度（指鲜艳程度）和明度（指处在白-灰-黑之间哪个位置）三种属性各自相近的情况：
颜色相近——比如，同样是红色系的两种颜色，易于和谐；
纯度相近——比如，两种中等纯度的颜色，比一高纯度和一低纯度更和谐；
明度相近——比如，两种淡色，比一淡和一浓更和谐。
此外，一些心理因素会影响人们对于色彩的感知。比如：
色彩面积的大小、形状和分布；
各种色彩组合，当被看成抽象的形状、或看成可辨认物体的表现时；
观看者的年龄、受艺术教育程度；
长时间观看会产生适应性效应，从而混淆对色彩组合的吸引力的感觉；
广告会引导人们对于色彩组合是否符合潮流的判断，等等。
下面这张片子于2008年“五·一”摄于四川八美。金黄色的枯树叶、富有质感的树皮和五颜六色的经幡，构成了一个童话般的色彩世界（图10）。
图十
黑白照片的情况下，三个颜色属性只剩下一个：明度。它和细节是否丰富（尤其是亮部或暗部的细节）、层次/过渡是否细腻、反差大小都有关。
这张617黑白作品于2009年5月一个阳光强烈的中午摄于广州从化石门国家森林公园。锁定树洞的暗部和石块的亮部曝光，将200多兆的扫描原件放大到100%观察暗部和亮部细节，均落在富士Acros100的宽容度内（图11）。
图十一
其直方图如下：
五、如何像大师那样去拍摄？
我们的社会正处在一个反智的时代。就因为出现了动辄以“大师”自居、装腔作势自命不凡的，或者以剽窃抄袭弄虚作假等可耻手段获得“大师”桂冠那样的败类，一部分人因此全盘否定“大师”的价值，甚至从此对“大师”的称号不屑一顾、极尽贬低嘲讽之能事，这实在是社会的悲哀。
那些以“大师”自居的小人的拙劣表演，与真正的大师何干？难道出现了几个类似于“年画虎”的小丑，安塞尔•亚当斯们就不再有价值了吗？——这是悲哀之一。
还有一些人，只拿大师们的某幅作品来说事，声称“大师不过如此，这个场景让我来拍的话保证比他拍得好”。于是乎得出结论“‘大师’都是‘大屎’”——这是悲哀之二。
我相信，无论“砸大师”的理由看上去多么冠冕堂皇，也改变不了真正的大师们的价值；而“砸大师者”们之所以没能成为大师，原因不在于他们是否愿意成为大师，而在于他们不可能成为大师。
在大师拍出了一幅看上去很普通的作品的年代，“砸大师者”还没出生——当然，这不是他的错；
当罗伯特•卡帕之类的人把脑袋别在裤腰上、出生入死地去拍摄危险场景时，“砸大师者”可能正在舒适的空调间里怡然自得地拍摄着“美人头”——当然，拍美人决不是过错；
当约瑟夫·寇德卡之类的人为了理想而不惜背井离乡、数十年睡在街上或野地里仍坚持拍摄时，“砸大师者”正在柔软的大床上睡懒觉——当然，睡懒觉也无可厚非；
当尚未成名的大师们为了推广自己的作品不惜倾家荡产、砸锅卖铁时，“砸大师者”可能正在第31次检阅自己三辈子也用不完的摄影器材——当然，收藏器材本身是理直气壮的事；
当尚未成名的大师们殚精竭虑地构思拍摄主题时，“砸大师者”可能正在考虑晚上去哪个酒吧狂欢，或者正在唾沫横飞地“砸大师”；
所以，作为我个人来说，我从不迷信大师，但是我敬畏大师。
所以，有志于成为大师，绝不是什么见不得人的事，而是一个社会有希望的表现。当然，那些空怀壮志却从不付诸行动者、或者偶尔被别人喊一声“大师”就忘乎所以者，就不在此列。
真正对摄影有追求的人，即使成不了大师，也应该像大师那样去拍摄。
1、起点：用大师的标准来要求自己
何为摄影大师的标准？我的理解就是：从思维到手法。换句话说，要像大师那样去思考、去行动。
要了解大师们的思维，我特别推荐精读Frank Horvat所著《摄影大师对话录》，出版社还有少量库存。
手法方面的书就数不胜数了，建议多看国内外摄影师的著书和画册。
光阅读还不行，还要把它变成自己的东西，去实践。
2、终点：确立自己的拍摄目标
但凡能成为大师者，无不有自己的摄影理想——自己想在摄影领域做到什么、摄影在自己的生活中将占到什么地位？也都有自己的摄影理念——拍什么、不拍什么、如何观察事物、如何拍出自己的特色？还有自己的拍摄目标——拍摄哪些主题？如何去实现？
确立了阶段性的拍摄目标，就要把它落实成具体的拍摄计划。拍摄计划必须具体，有明确的时间表，有现实的可操作性。
3、中途：持之以恒地去努力
起点和终点都明确后，剩下的就是付诸行动了。
对多数有摄影追求的业余人士最大的挑战就是：摄影和生计如何取得平衡？这其中的取舍，才是真正的考验。
六、拍来做什么？
对这个问题的回答，会影响到自己的拍摄行为。通常会有三种类型的选择：
完全以摄影为生计；
自娱自乐，完全不考虑作品的商业收入；
潜心拍摄，但不放弃争取商业回报的努力。
任何一条路都有人走得通。摄影人都会面临这个选择，不能假装这个问题不存在，也不应该频繁地来回摇摆。我个人目前正在第三条路上摸索。
